Next Show in 90 Minutes est un film d’horreur de 7 minutes animé et réalisé par John T. Hill. John est un animateur professionnel et un assistant professeur à l’université de South Alabama qui enseigne (à la lumière du jour) l’animation numérique de personnages en 2D et l’animation d’effets spéciaux. Inspiré par des icônes classiques du cinéma d’horreur comme The Thing, John a conçu une histoire qui explore l’isolement et l’inconnu avec une intense subtilité. Ses efforts ont été récompensés par des nominations dans le circuit des festivals : Screamfest LA, Screamfest NOLA et le Mobile Animation Film Festival.

Dans Next Show in 90 Minutes, John a cherché à susciter l’émotion sans offrir de réponses faciles, en gardant son histoire enveloppée de mystère. Son protagoniste, qu’il a simplement surnommé « The Hazmat », évolue dans un paysage apocalyptique. Chacun de ses mouvements souligne l’isolement et la tension avec des détails méticuleux. Les transitions de couleurs vives du film – de la nuit au jour – renforcent l’atmosphère inquiétante. Les arrière-plans richement texturés et les expressions complexes du visage du protagoniste, créés grâce à l’utilisation experte des outils de dessin de Toon Boom Harmony, renforcent véritablement la terreur.

Nous avons discuté avec John de la façon dont il a pu rationaliser son processus créatif et créer des mouvements de caméra multiplan immersifs avec Harmony. Lisez la suite de l’entretien pour en savoir plus sur le processus de John, ses inspirations et l’art technique qui se cache derrière ce remarquable court-métrage. Regardez la bande-annonce atmosphérique et visuellement saisissante ci-dessous…

Veuillez vous introduire et votre court métrage d’animation Next Show in 90 Minutes…

John : Je m’appelle John T. Hill et je travaille dans le secteur de l’animation depuis le début des années 2000, principalement en tant qu’animateur 2D sur diverses productions télévisuelles et multimédias. J’ai passé la majeure partie de ma carrière à travailler à distance, ce qui fait que je suis l’un des noms qui figurent au générique et qui font dire à la plupart des employés de l’entreprise « qui était-ce ? ». Je suis actuellement professeur adjoint d’animation à l’université de South Alabama. Next Show in 90 Minutes est un court métrage d’horreur de 7 minutes 20 que j’ai réalisé et animé indépendamment au cours des deux dernières années et demie.

Quelles sont vos principales sources d’inspiration pour ce court métrage effrayant?

John : Il sera difficile de répondre à certaines de ces questions, car je veux vraiment éviter d’influencer l’interprétation du court métrage par le public avant qu’il ne l’ait vu. En fait, en relisant ces réponses, j’ai déjà l’impression de gâcher des choses!

Visuellement, il y a des liens évidents avec The Thing de John Carpenter, et dans mon esprit, je n’arrêtais pas de penser au travail de Mike Ploog, William Stout et Simon Stålenhag. En ce qui concerne le détail des personnages et des expressions, j’ai en fait regardé beaucoup de fiches de personnages et de clés provenant du travail d’Alex Toth chez Hanna Barbera.

Les décors doivent beaucoup aux arrière-plans de Bambi et aux paysages hivernaux de Bill Watterson. Sur le plan thématique, mon inspiration la plus directe a été ma mère et son amour du classique de Dan O’Bannon Le retour des morts-vivants. Cette idée d’un film d’horreur dans un environnement naturellement serein n’était à l’origine qu’une petite partie d’une idée de roman graphique beaucoup plus vaste que j’avais à la fin des années 80, mais tout ce qui en reste est l’image d’un homme en combinaison de protection et de zombies dans la neige.

Pouvez-vous faire allusion à ce qui s’est passé pour que votre protagoniste se retrouve dans cette situation?

John : Non. C’est une question qui m’a été posée par quelques personnes à qui j’ai montré le film terminé, mais je n’ai pas vraiment de réponse. Le pourquoi et le comment ne me viennent même pas à l’esprit. Le personnage n’a même pas de nom. Je l’appelle simplement « The Hazmat »

J’ai réalisé d’autres courts métrages, des films d’étudiants et beaucoup d’expériences professionnelles très axées sur la narration. « Du point A au point B au point C. » « Mettre en place et récolter les fruits. » « Ne pas laisser les choses sans réponse. » C’était l’occasion de faire, non pas quelque chose de peu orthodoxe ou de révolutionnaire, mais juste ce que je voulais. Seulement des notes de ma part.

Avec Next Show in 90 Minutes, j’avais un sentiment. Je voulais le présenter à un public et voir comment il réagissait. Je voulais susciter des émotions et ne pas donner de réponses. J’ai donc volontairement banni toutes les idées que j’avais développées sur ce qui s’est passé avant ou après dans l’univers du film. Avant le premier storyboard, il y avait une version approximative de ce projet, sous forme de liste, qui contenait beaucoup d’éléments de narration. Rien de tout cela n’a survécu à l’animatique.

En tant qu’animateur, comment exploitez-vous les thèmes de l’isolement ou de l’apocalypse dans votre travail?

John : C’est la première fois que j’explore ces thèmes de manière sérieuse. Il y a deux types de moments dans le film. Ces moments solitaires dans la nature, puis ces moments avec The Hazmat. Je voulais que les moments de solitude ressemblent à un documentaire sur la nature. Le fait de garder la caméra enfermée et distante enlève l’élément humain vivant. Cela ressemble plus à une caméra de surveillance.

Il est toujours agréable de voir les vidéos de tournage des documentaires sur la nature et de découvrir qu’un caméraman a été enterré dans la boue pendant deux jours pour obtenir une prise de vue. On a l’impression de regarder quelque chose de sacré, dépourvu d’interférence humaine, qui n’a pas besoin que nous l’observions pour exister. Bien sûr, les capturer et les mettre en scène pour qu’ils paraissent si naturels demande un immense effort humain. Je me suis identifié à cela en tant qu’animateur.

Ensuite, avec The Hazmat, nous contrastons ces moments, la présence humaine est inévitable en comparaison. L’isolement repose donc sur le cadrage. Il y a beaucoup de plans longs pour montrer l’absence d’autres figures ou personnages, ce qui souligne le vide. Le fait d’avoir des plans larges signifie que tous les gros plans sont délibérés. Le contraste entre la distance du voyeur et la proximité intime rend les émotions du personnage exagérées, même lorsqu’elles sont subtiles.

Le reste est une question de rythme, d’attention à la façon dont vous déployez ces moments. La durée d’une scène, mais aussi la durée d’un plan individuel. J’ai été fasciné par le fait de faire durer un plan plus longtemps qu’il n’est naturel. Ce sentiment de vouloir qu’un plan change, mais d’en refuser le déclenchement, crée une tension et ce manque de contrôle isole. Bien sûr, cela a rendu le processus très laborieux, de longs plans avec des mouvements subtils, des personnages entiers, s’attardant sur des moments qui auraient autrement été coupés.

Quelles décisions ont présidé au choix de la palette de couleurs vives et pourquoi?

John : Il s’agissait en partie de créer une impression de temps, en passant de la nuit au lever du soleil, puis au plein jour. Je voulais aussi commencer par des transitions de couleurs vraiment audacieuses pour donner un ton que j’effacerais peu à peu. D’autre part, je voulais simplement faire plus avec la couleur que ce que j’avais tenté jusqu’à présent. Beaucoup de films d’horreur contemporains ont adopté des palettes de couleurs intenses, des roses, des violets, des bleus et des contrastes importants. C’est donc un clin d’œil et un subterfuge. Faire en sorte que le public se sente à l’aise avec le type d’horreur auquel il doit s’attendre, puis changer et voir ce que cela donne.

Dans l’ensemble, je voulais des teintes plus claires et plus pures lorsque c’était possible. L’horreur en plein jour, l’horreur avec des couleurs de dessins animés. J’ai vraiment accepté de ne pas essayer de faire en sorte que l’animation et les décors existent en parfaite harmonie « 2.5D ». Si certains éléments ont un air de télévision des années 70 ou 90, où l’on peut savoir que quelque chose va bouger parce qu’il est peint à plat, comme une vieille cellule de Scooby Doo sur un arrière-plan peint, c’est ce que j’aime le plus. Il s’agissait en partie de célébrer le fait qu’il s’agissait d’un dessin animé sans pour autant faire quelque chose de familial.

Avez-vous des conseils pour zombifier le design d’un personnage?

John : J’aimerais être un expert en la matière! Je peux vous dire ce que je voulais, c’est-à-dire squelettique et charnu et si possible, humide. Je voulais que l’on se demande à quel point ces zombies étaient « frais », alors trouver des moyens de les faire paraître décomposés d’une certaine manière et pas d’une autre ne fait qu’ajouter à un sentiment de manque de naturel. Certains de ces zombies sont basés sur des personnes réelles de ma vie, donc une référence est toujours utile. Les dents et les gencives exposées sont toujours effrayantes, les parties manquantes d’un corps sont toujours gênantes.

Comment Harmony de Toon Boom vous a aidé dans le processus de production de ce court métrage?

John : Nous utilisons Harmony dans les cours que j’enseigne, donc une grande partie de ce travail a consisté à essayer d’animer et de composer le film entier dans Harmony seul, afin d’être prêt à démontrer pleinement ces capacités à mes étudiants qui veulent réaliser des films 2D pour leurs thèses. Seuls deux plans ont nécessité l’utilisation d’un autre logiciel pour obtenir l’effet désiré.

Ce qui m’a le plus aidé, c’est de pouvoir partager des palettes entre les scènes. Le fait de pouvoir modifier une palette à la volée et de la conserver lorsque je modifiais les couleurs d’un plan à l’autre a été inestimable. La caméra est tellement puissante dans Harmony que j’adore l’utiliser. Il suffit de mettre en place un plan multiple avec de la profondeur et de pousser la caméra dans tous les sens. Je savais que je n’aurais pas le temps de faire beaucoup d’ombres portées et d’ombrages sur mesure, alors la possibilité d’ajouter des dégradés et des hautes lumières pour faire des tricheries simples pour l’ombre et la lumière était géniale.

Votre protagoniste est très expressif. Comment cela a-t-il été accomplie?

John : C’est en fait une autre chose pour laquelle Harmony était parfait. Je ne suis pas un animateur naturaliste. Si j’ai voulu faire ce film, c’est en grande partie parce que je voulais animer des animaux et des personnes plus réalistes que ce que mon travail professionnel m’avait permis de faire. C’était un défi de taille, qui a nécessité de nombreuses références vidéo.

Je suis sorti dans mon jardin, sous la chaleur de juillet à Mobile, AL, avec mon plus gros manteau d’hiver, mes bottes, mes gants et mon bonnet et j’ai joué toute la partie « humaine » du film. Mon fils et moi avons fait semblant d’être des zombies et des cadavres. Ma femme l’a filmé avec mon téléphone. J’ai ensuite fait un montage de toutes ces prises multiples pour obtenir l’animation finale. C’est ainsi que j’ai fixé le timing du court métrage et que j’ai coupé tous les éléments de l’histoire qui pouvaient être supprimés sans que l’ensemble ne s’effondre complètement.

J’ai ensuite pris cette référence vidéo et l’ai importée directement dans Harmony. Cela m’a permis d’extraire des poses et des expressions en tant que clés. Il ne s’agissait pas d’un rotoscope complet, mais je prenais ma pose et mon jeu d’acteur et je dessinais par-dessus, en simplifiant et en essayant d’injecter la sensation d’Alex Toth (aussi mal que je le pouvais!) dans les clés.

Ensuite, je faisais un entre-deux à partir de ces clés référencées, comme je le ferais normalement pour n’importe quelle autre animation. Ce n’est pas révolutionnaire, mais la capacité d’Harmony à « se comporter » avec les vidéos importées a été un grand avantage pour réaliser toutes ces séquences. Je ne suis pas un très bon acteur, mais c’est en ayant une base à partir de laquelle j’ai pu exagérer que j’ai obtenu ce visage expressif.

Quels concepts fondamentaux aviez-vous constamment en tête en animant de l’horreur?

John : Il suffit de décider ce que vous pensez vraiment être effrayant et d’essayer d’y adhérer. Si ce n’est pas une seule chose que vous trouvez effrayante, alors au moins un type de peur qui vous intéresse et que vous gardez comme guide. L’horreur est un genre très vaste et, historiquement, ce qui est effrayant et ce qui ne l’est pas est très large. Est-ce du gore? S’agit-il d’horreur corporelle? Ou est-ce de la violence? Surnaturel? Réaliste? Du suspense? Des frayeurs par à-coups? Il y avait donc un concept de base que je visais, mais j’hésite à l’identifier. Comme conseil, je dirais de choisir quelque chose et de le garder au premier plan. Un retournement pervers sur le fait de suivre son bonheur.

Souhaitez-vous remercier des membres de votre équipe ou des collaborateurs?

John : Mon fils Jack et ma femme Laura. Laura a filmé toutes mes séquences de référence originales et a même appris un peu d’Harmony pour m’aider à faire des aplats de couleurs sur plusieurs scènes pendant que je terminais l’animation. Scott Ampleford à la musique et Mike Horton au son. Le film n’aurait pas été aussi efficace sans leur contribution et ce fut un plaisir de travailler avec eux.

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• Next Show in 90 Minutes tournera dans des festivals d’animation autour du monde. Pour plus d’informations sur le travail de John T. Hill, visitez son portfolio en ligne.
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